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Pantera Negra establece récord de apertura el fin de semana con ventas de boletos por $192 millones

La película tuvo el quinto mayor fin de semana de estreno en Norteamérica, sugiriendo que establecerá un récord para las películas dirigidas por un cineasta negro.

Black Panther, que ya es un hito de la cultura pop muy celebrado, es ahora un éxito récord en la taquilla.

La película Marvel superhéroe superhéroe superó las expectativas, con $192 millones en ventas de entradas en Norteamérica durante el fin de semana, según las estimaciones del estudio el domingo. Eso hace que Black Panther sea el quinto fin de semana de apertura más grande de la historia, sin tener en cuenta la inflación.

Las únicas películas con un fin de semana de estreno más taquillero son Star Wars: The Force Awakens, Star Wars: The Last Jedi, Jurassic World y The Avengers. También es el fin de semana de estreno de febrero con mayor afluencia de público.

¡Salve al Rey de Wakanda! declaró la Walt Disney Co. mientras informaba de las estimaciones del domingo.

El estudio prevé un fin de semana festivo de cuatro días de duración de 218 millones de dólares en EE. UU. y Canadá, y un debut mundial de 361 millones de dólares. Aunque la huella internacional de la película no incluye varios de los mercados más grandes -China, Rusia, Japón- sigue figurando entre los 15 primeros debutantes mundiales de la historia.

La película de Ryan Coogler, que costó unos 200 millones de dólares, es la película de ensemble negro de mayor presupuesto en años y una de las pocas que se centra en un superhéroe negro. La fuerte apertura sugiere que Black Panther fácilmente establecerá un récord de taquilla para las películas dirigidas por un cineasta negro.

Chadwick Boseman protagoniza T’ Challa/Black Panther en la primera película independiente para el superhéroe creada por Stan Lee y Jack Kirby en 1966. El reparto también cuenta con Michael B Jordan, Lupita Nyong’ o, Daniel Kaluuya y Letitia Wright.

Según comScore, el 37% de los espectadores eran afroamericanos.

La película ha sido enormemente aclamada, con una calificación del 97% de tomates podridos. El público estuvo de acuerdo, dándole un A-plus CinemaScore.

10 Mejores Películas de 2017

En 2017, Hollywood utilizó el pasado para enfrentarse a nuestro tenebroso presente y futuro incierto. Ya sea que una película provenga de un veterano (Steven Spielberg) o de un novato (Jordan Peele), sentiste que la energía de un artista se echaba a perder al ser escuchado. Los temas eran muchos y variados: el calor a fuego lento de la política racial (Get Out, Detroit); una política estadounidense. La guerra inconstitucional del presidente contra una prensa libre (The Post), la rabia que viene cuando uno se siente impotente para luchar contra el poder (tres vallas publicitarias fuera de Ebbing, Missouri); y la cuestión esencial de cómo vivir en un mundo que se encamina hacia el desastre global (Dunkirk, La hora más oscura). Las mejores películas del año enviaron un mensaje de que muchos de nosotros estamos locos como el infierno y no vamos a aguantarlo más. ¿Alguien está escuchando?

10. Phantom Thread

La última gran película de 2017 proviene del escritor-director Paul Thomas Anderson, un talento cuyo poder y alcance cinematográfico son aparentemente ilimitados. Ambientada en el elegante mundo de la moda londinense de los años 50, la película presenta a un brillante Daniel Day Lewis como uno de los principales diseñadores cuyo mundo está sacudido por una revolución de estilo. Igualmente sísmico a su proceso creativo y a su vida personal: una musa joven (Vicky Krieps) que se niega a unirse a una larga fila de mujeres que saltan a sus órdenes. La política sexual, entonces y ahora, resuena a través de la película. ¿Habrá sangre? No de la forma que te puedas imaginar. Pero el amor, como Anderson lo ve, es una magnífica obsesión que puede nutrir o destruir. No podrás sacarte de la cabeza los secretos retorcidos de la película. No querrás hacerlo.

9. A Ghost Story

La historia sobrenatural de la devoción eterna de David Lowery involucra a una mujer (Rooney Mara) perseguida por su amante muerto (Casey Affleck). Este es un experimento ardiente, ambicioso y desafiante que restaura nuestra fe en el cine como forma de arte.

8. Detroit

El director Kathryn Bigelow y el guionista Mark Boal echan un vistazo incendiario a los disturbios raciales de 1967 en Detroit, todavía vivos y tóxicos en la brutalidad policial y el racismo sistémico de hoy en día. El público se mantuvo alejado. Gran error. Detroit es difícil de aceptar. También es imposible de olvidar.

7. The Shape of Water

El maestro visual Guillermo del Toro regresa a la Guerra Fría para indagar la pasión secreta de una chica muda (Sally Hawkins) y una criatura de la laguna gubernamental de las operaciones negras (Doug Jones). El resultado dice mucho de lo que elegimos llamar «alienígena».

6. Lady Bird

No hay nada nuevo acerca de las comedias de la era venidera, pero Lady Bird consigue el género de una manera emocionante, gracias a la guionista Greta Gerwig en un debut como directora en solitario que le viene bien a sus propios años formativos en Sacramento hacia 2002. Saoirse Ronan y Laurie Metcalf sobresalen como una hija y madre cuya jaula partido de lucha de afecto llega a casa da igual la edad que tengas.

5. The Post

En el thriller político propulsivo de Steven Spielberg, no es difícil encontrar el vínculo entre el momento actual y las amenazas que la Casa Blanca de Nixon lanzó en la editorial del Washington Post Katharine Graham (Meryl Streep) y el editor Ben Bradlee (Tom Hanks) El año 1971; la cuestión es si publicar o no los documentos del Pentágono y exponer un encubrimiento masivo del gobierno. Cualquier relación con la guerra de Trump contra una prensa libre es puramente intencional. Streep podría dirigirse a Oscar No. 4 como una mujer mimada por un ejército de hombres condescendientes. Y la dirección de la velocidad de Spielberg habla con un poder relevante para el pasado, el presente y un futuro escalofriante.

4.Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

El dramaturgo anglo-irlandés Martin McDonagh encuentra su encanto cinematográfico en la escritura y dirección de esta mirada dolorosa y salvajemente divertida a un dínamo de pueblo pequeño (Frances McDormand) que alquila vallas publicitarias para rabiar a la policía por no resolver la violación y el asesinato de su hija adolescente. McDormand y McDonagh, un partido en llamas, descubren la impotencia y la furia que todos sentimos ahora mismo.

3. Call Me By Your Name

La homofobia no tiene cabida en el romance erótico de Luca Guadagnino, ambientado en Italia en 1983, cuando un prodigio musical (Timothée Chalamet) y el guapo ayudante de su padre (Armie Hammer) experimentan la emoción del primer amor y el dolor eviscerante de su pérdida. Un triunfo artístico que insiste en que la empatía es el mejor antídoto contra la intolerancia.

2. Get Out

¿Puede una película de terror participar en la carrera por el Oscar a la mejor película? Puedes apostar tu trasero. Daniel Kaluuya no sabe lo que le espera cuando su novia (Allison Williams) lo lleva a casa a los suburbios blancos, pero la cultura negra no es lo único que se está cooptando. En el debut más emocionante del año como director de cine, Jordan Peele hace malabares y se ríe de la hipocresía racial en un Estados Unidos que se niega a despertarse.

1. Dunkirk

En la mejor película del año, Christopher Nolan nos muestra el significado del cine puro, representando la evacuación de los soldados británicos de las playas francesas de Dunkerque en 1940, cuando las fuerzas de Hitler intentan aplastarlos por tierra, mar y aire. En vez de decirnos qué pensar, Nolan ofrece una inmersión total en la experiencia de vida o muerte de estar allí, presa de los caprichos de un dictador y aún así encendida con la voluntad de resistir. (Y como el compañero perfecto de la épica de Nolan, la Hora Más Oscura de Joe Wright -con Gary Oldman como el primer ministro británico Winston Churchill- nos lleva dentro de los pasillos del poder, donde las repercusiones políticas de la matanza en las playas de Dunkerque se desbordan con implicaciones de actualidad sobre un mundo al borde de la catástrofe. ¿Te suena familiar?)

 

Casino (1995) Blu-ray Reseña

Martin Scorsese volvió a trabajar en equipo con su compañero de escritura Goodfellas Nicholas Pileggi para el Casino de 1995, una saga de crímenes infravalorados sobre los «buenos viejos tiempos» en Las Vegas, cuando la mafia todavía estaba a cargo. La fascinante historia reúne a Robert De Niro y Joe Pesci durante tres sólidas horas de crimen, avaricia y consumo conspicuo.

Scorsese repite su formato de mezclar escenas dramáticas actuales con una intensa narración pasado-tensa. Por lo menos durante al menos la primera media hora esperamos que la narración termine, permitiendo que la película avance; entonces nos damos cuenta de que las voces en off son la columna vertebral de la estructura de la película. La narración de Casino continúa a lo largo de toda la película, que parece que corre. Varias voces de personajes repasan los eventos de un borrador; ¡aunque un par de ellos no viven a través de los eventos de la historia!

Robert De Niro es Sam Rothstein, que se llama «Ace». Un hándicap brillante y manipulador de probabilidades, Ace es elegido para dirigir el Tangiers, un casino de Las Vegas supuestamente presidido por el alegre Phillip Green (Kevin Pollack), pero realmente controlado por la mafia. Ace maneja un barco extremadamente apretado y las ganancias suben mucho; la narrativa se interrumpe con frecuencia para examinar el funcionamiento del piso del casino o los medios por los que se sacan las ganancias y se llevan directamente a los jefes del crimen organizado en el Medio Oeste.

Después de Ace a Las Vegas está su guardaespaldas de una sola vez Nicky Santoro (Joe Pesci), que tiene estatus de «hombre hecho» con la mafia y no puede ser empujado. Nicky, un ejecutor particularmente violento, abusa de sus amistades e infiltra a los tánger para obtener beneficios propios. Mientras tanto, Ace se enamora y se casa con Ginger McKenna (Sharon Stone), un ex-hooker que se gana la vida robando fichas de los grandes jugadores. El jengibre confunde independencia con duplicidad, y mantiene sus lazos emocionales con el buscavidas de poca monta Lester Diamond (James Woods), su antiguo proxeneta. Los asesinatos y robos cada vez más violentos de Nicky traen una atención indebida a los Tánger, al igual que Ace cuando despide a un pariente del comisionado local de juegos de azar atrapado robando. De repente, bajo investigación de todas partes, la vida de Ace se hace añicos cuando Ginger intenta separarlo de su hija y de su fondo de’ emergencia’ de millones de dólares.

Casino comienza mal cuando Scorsese abre con el relajado Ace Rothstein caminando hacia su coche en un aparcamiento. Cualquiera que haya visto una película de gángsters sabe que el auto está conectado con una bomba. Y lo que es peor, la explosión, obviamente fatal, resulta ser una trampa — casi tres horas más tarde Ace tropieza con el coche básicamente ileso, recordándonos a los acantilados amañados en viejos seriales. Pero a partir de ese momento, la historia nunca da un giro predecible. Como en Goodfellas, el funcionamiento interno del crimen organizado es demasiado increíble para no ser verdad. Louis con maletas llenas de dinero en efectivo. Nicky Santoro, un asqueroso experto en brazos fuertes, no está por encima de usar torturas impías para imponer su voluntad; cuando ha hecho que sus víctimas rueguen que les corten la garganta. Cuando el calor federal cae en el casino, nos invitan a una vista surrealista. La placentera entrevista de Ace en un periódico sobre la reparación de imágenes es interrumpida por dos agentes en un avión en servicio de vigilancia, obligados a aterrizar en el campo de golf del club de campo porque se quedaron sin gasolina.

Los problemas domésticos de Ace reciben el mismo énfasis, y en realidad lo ponen en mucho más peligro. Criado y entrenado para no confiar en nadie, pero conservando una debilidad irracional por Lester, Ginger juega el papel de la esposa adoradora. Se deleita en las riquezas que Ace le otorga y observa con alegría mientras él le confía acceso vital a escondrijos secretos de dinero. Le lleva años a Ace ver la luz, pero cuando finalmente detecta la falta de sinceridad de Ginger, el escenario está preparado para un destructivo pas de deux. Casino nos hace entender cómo una rabieta de dos vías puede resultar en el colapso de una dinastía.

El diseñador Dante Ferretti crea el Casino con los lujos de consumo que Ace y Ginger poseen, pero que nunca podrán disfrutar realmente, como el estatus que les ofrece comprar su entrada en un exclusivo club de campo, o volar a Los Ángeles en el jet privado del casino. Vestido demasiado caro para ser jet setters, pero tan burdo y mercenario como las esposas de Goodfellas, Jennifer, la esposa de Ginger y Nicky (Melissa Prophet) vive en la negación de responsabilidad a cualquier persona excepto a sus indefensos hijos. Sólo Ace sigue razonablemente cuerdo, ya que todo el mundo a su alrededor está corrompido por el contacto con la avalancha de dinero sucio.

Casino hizo negocios respetables pero no encantó ni al público ni a la Academia, lo que es una lástima porque la dirección de Scorsese es una de sus mejores. Los personajes de De Niro y Pesci están mucho más desarrollados aquí que en la adaptación anterior de Pileggi. Pesci es particularmente bueno como bulldog humano incapaz de descansar, siempre está cargando hacia adelante, causando problemas, mordiendo más. La película está marcada con canciones pop y rock cuidadosamente escogidas, integradas incluso mejor que las pistas de Goodfellas. Scorsese’s Casino es una película larga pero también una declaración madura acerca de una era específica en el crimen. El cálculo final viene con la transformación de Sin Town. Los viejos casinos son dinamitados para dar paso a un «Disneylandia» Las Vegas propiedad de la corporación que hace hincapié en la guardería y la fantasía, con los viejos vicios cambiados uno o dos puestos en el menú.

Blu-ray de Universal’s Blu-ray of Casino presenta la épica de 3 horas en una deslumbrante transferencia; incluso en DVD los ricos rojos y dorados de los interiores del casino tendían a manchar. El audio HD de mayor calidad parece estar sólo en las pistas codificadas de DTS en inglés — pistas DD 2.0 están disponibles para las canciones en inglés, francés, alemán, castellano y español, italiano y japonés.

Los extras están agrupados en el menú «U-Control» de Universal, disponible sólo para los propietarios de los últimos reproductores Blu-ray. Martin Scorsese, Sharon Stone, Nichols Pileggi y otros aparecen en ventanas de imagen dentro de imagen para comentar en ciertos momentos de la película. Francamente, cualquier extra que espera que nos sentemos a través de todo el Casino una segunda vez para captar comentarios extraños aquí y no va a mantener la atención muy larga.

Otros extras son las «escenas borradas», que resultan ser algunas extravagancias lindas — Catherine, la madre de Martin Scorsese, reprende a los actores y a su hijo por jurar en el plató. Un reportaje llamado Las Vegas y la mafia cubre algunos de los momentos culminantes de la historia de Las Vegas, y un programa de televisión llamado History Alive: True Crime Authors presenta al escritor Nicholas Pileggi.

Dunkerque Critica (Dunkirk 2017)

La gran derrota pírrica de Gran Bretaña o la victoria inversa de 1940 ha sido llevada a la pantalla como un espantoso y devastador espectáculo de Christopher Nolan. Lo sumerge en la caótica evacuación de la Fuerza Expedicionaria Británica del norte de Francia tras la catastrófica batalla de Dunkerque, ayudada por la legendaria flotilla de pequeñas embarcaciones civiles. Es parte película de desastres, parte épica de guerra comprimida, y todo ello horriblemente apropiado para estos tiempos de Brexit.

Nolan’s Dunkirk tiene ese tipo de certidumbre de gran pantalla que vi por última vez en el Titanic de James Cameron o el United 93 de Paul Greengrass. Es muy diferente a su anterior largometraje, la sorprendente y sobrevalorada convolución de ciencia ficción Interstellar. Se trata de una película poderosa y magníficamente elaborada con una historia que contar, que evita el porno de guerra a favor de algo desolado y apocalíptico, un paisaje de playa de la vergüenza, plagado de soldados zombizados por la derrota, un mundo macho sombrío y sin apenas mujeres en la pantalla.

Es la mejor película de Nolan hasta ahora. También tiene la mejor partitura musical de Hans Zimmer: un espeluznante, apasionante y gruñón acompañamiento a una pesadilla, cambiando finalmente a variaciones cuasi-Elgar para la propia liberación. Zimmer crea un lamento pantonal continuo, que imita el grito del bombardero de inmersión y el revoloteo mareado de las mareas, y funciona en contrapunto a la artillería ensordecedora y el fuego de ametralladora que me quitó los empastes de los dientes y los envió en una fusión de metralla por todo el auditorio del cine.

La película está, por supuesto, en una escala nolanesca masiva. Dunquerque es tradicionalmente visto en términos de una insignificancia milagrosa que de alguna manera redimió el desastre. Los valientes botes contrarrestaron la memoria de un ejército británico empequeñecido por la estrategia de la Wehrmacht y un establecimiento británico humillado por la sospecha de que sólo el cálculo erróneo de Hitler o la misteriosa realpolitik para detener el avance alemán permitieron la evacuación en primer lugar. Un tipo diferente de película de Dunkerque podría haber incluido escenas del Alto Mando en Berlín mostrando a los generales discutiendo con el Führer precisamente sobre esto. Tal vez Nolan no quería que su película fuera secuestrada por un montón de subtítulos satíricos falsos como YouTubers.

El evento en sí mismo entró en el torrente sanguíneo de la cultura pop británica después de la guerra a través de los títulos de apertura del Dad’s Army de la televisión, con sus carretas de mapas nazis desplazándose hacia el norte y el tema de Flanagan inspirado en la película Dunkirk de Leslie Norman de 1958, protagonizada por John Mills y Richard Attenborough. Pero Nolan no está teniendo ninguna risa moral o chirridos. Su desastre es grande; las apuestas son altas, la ansiedad insoportable.

Nos vemos forzados a actuar de inmediato para perforar el tímpano. Un escuadrón llamado Tommy (Fionn Whitehead) corre desesperadamente a la playa por las calles de Dunkerque bajo un fuerte fuego y ve el panorama de pesadillas frente a él: centenares de miles de soldados franceses y británicos varados esperando por toda la arena. Los cadáveres están siendo enterrados allí. No hay barcos que los rescaten y, al parecer, no hay cobertura aérea que impida su recogida. Tommy va a entrar en contacto con Alex (Harry Styles, haciendo un debut de actuación perfectamente fuerte). Mientras tanto, el piloto de la RAF Farrier (Tom Hardy) está, de hecho, enfrentándose al enemigo por encima de la cabeza y tomando riesgos desesperados con el combustible. Un grizzled oficial naval jugado por Kenneth Branagh – canalizando a Jack Hawkins en el Mar Cruel (1953) – explora el horizonte. Y en el frente de casa, un tal Sr. Dawson, interpretado lacónicamente por Mark Rylance, toma su pequeño crucero, se une a la armada del pueblo, se encuentra con un oficial traumatizado (Cillian Murphy) y soporta un terrible sacrificio, que vive para ver mitologizado y falsificado por la prensa.

Desde el punto de vista militar, Dunkerque es prácticamente estático durante la mayor parte de su tiempo de funcionamiento: la batalla ha terminado antes de que la película haya comenzado, y no existe un contexto narrativo del tipo que se ofrece en la versión de Leslie Norman. Nolan rodea a su audiencia con caos y horror desde el principio, y sorprendentes imágenes y piezas de escenografía deslumbrantemente logradas en una enorme pantalla de 70 mm, particularmente el pontón abarrotado de soldados que se extienden en el mar agitado, expuestos a los aviones enemigos. Es una expresión arquitectónica del anhelo de volver a casa. Hay una imagen tremenda cuando algunos de los soldados se las arreglan para subirse a bordo de un destructor, y son bienvenidos con el té y eso ahora desaparece golosinas, pan y mermelada, y rectángulos tan diminutos de moteado surrealista rojo la imagen gris y caqui. También es persuasivamente horrible cuando los soldados esperan al borde del oleaje, que se ha convertido en una espuma espumosa, como si estos fueran los supervivientes de un horrible desastre natural.

Christopher Nolan podría haber encontrado algo de inspiración en la escena de Dunkerque en la película Atonement 2007 de Joe Wright, pero por otra parte él trae su propia confianza colosal y muy distintiva a esta historia. Es una pieza visceral del cine.